Jim's Gems, 1973: Bowie, The Who, Planxty und mehr in einem unglaublichen Jahr

Lou Reed und Bowie stehen ganz oben auf Jim Comets Liste der besten Alben des Jahres 1973.

Wir schreiben das Jahr 1973. Der Kater nach den 60er-Jahren ließ allmählich nach. Viele der Hoffnungen, Träume und Bestrebungen sowie ein Großteil des Optimismus des letzten Jahrzehnts waren verschwunden und die Menschen begannen zu erkennen, dass die Welt in einem viel schlimmeren Zustand war, als sie gedacht hatten. Musikalisch drehte sich alles um das Album und viele Künstler gingen etwas tiefer und passten sich den veränderten Zeiten und Marktbedingungen an. Es tauchten auch neue Künstler auf, die allesamt darauf bedacht waren, den Status quo aufzurütteln und den musikalischen Wandel voranzutreiben.

1. Lou Reed, Berlin

Niemand praktiziert Dekadenz wie Lou Reed, und als er mit dem Produzenten Bob Ezrin am Nachfolger des von der Kritik gefeierten Transformers zusammenarbeitete, sprengte er neue Maßstäbe. Obwohl in New York aufgenommen, erzählt „Berlin“ die Geschichte von Jim und Caroline und ihrem Kampf mit Drogenmissbrauch, häuslicher Gewalt, Prostitution und schließlich Selbstmord in der deprimierenden Umgebung des Nachkriegs-Berlins. Diese Themen werden von Reed, dem ultimativen Straßendichter, auf sehr anschauliche und sachliche Weise behandelt. „The Kids“ und „The Bed“ erschweren das Zuhören. Musikalisch ähnelt es ein wenig einer Sinfonie der Velvet Underground. Ezrin gelang es, die traditionellen Instrumente effektvoll mit den Streichinstrumenten zu kombinieren.

Das Album war zwar nicht gerade ein echter Lacher, scheiterte aber bei seiner Erstveröffentlichung komplett und es dauerte Jahre, bis Reed sich künstlerisch erholte. Mittlerweile wird es jedoch von vielen, mich eingeschlossen, als sein bestes Solowerk angesehen.

2. David Bowie, Aladdin Sane

Für den Nachfolger des bahnbrechenden Ziggy Stardust interessierte sich Bowie viel mehr für die künstlerische Reise als nur für das Schreiben von Hits. Eine Eigenschaft, die einen Großteil seiner Karriere prägen sollte. Die Songs für das neue Album wurden größtenteils im Tourbus geschrieben, der während der ersten Ziggy-US-Tour über Nacht durch Amerika reiste. Sie nutzten den Bus, da er Flugangst hatte.

Es ist viel chaotischer. Eine dunklere und intensivere Affäre als Ziggy, was wahrscheinlich seinen damaligen Lebensstil widerspiegelt. Wie bei vielen anderen großen Künstlern dieser Zeit begannen sich langsam Drogen einzuschleichen. Die Hinzufügung des Pianisten Mike Garson veränderte den Sound der Spiders völlig und fügte ein dekadentes, jazziges Burlesque-Feeling hinzu, das die Platte vollständig dominiert. Garson blieb bis zum Ende immer wieder bei Bowie.

3. Rolling Stones, Ziegenkopfsuppe

1968 veröffentlichten die Stones das erste einer Reihe von fünf klassischen Alben, die ihr Erbe festigen und ihre Karriere definieren sollten. Doch als sie nach Jamaika zogen, um das fünfte Album dieser Serie aufzunehmen, war im Lager noch nicht alles in Ordnung.

Sie waren nach den Aufnahmen zu „Exile On Main Street“ praktisch aus Frankreich vertrieben worden, Mick Jagger beschäftigte sich zunehmend mit seinem Jetset-Lebensstil und die Drogen forderten allmählich ihren Tribut von Keith Richards. Die Aufnahmesitzungen mit Drogenrazzien, Zusammenstößen mit der örtlichen Polizei und der Mafia waren chaotisch.

Wie das Album tatsächlich entstanden ist, ist an sich schon ein kleines Wunder. Musikalisch ist es dreckig, drogenlastig, schlampig und schallt durch den ganzen Laden. Mit anderen Worten: klassische Stones. Meiner Meinung nach ist es ihr letztes Hurra und wohl ihr bestes Album.

4. The Who, Quadrophenia

Nach dem Erfolg von Tommy veröffentlichten The Who 1973 ihre dritte Rockoper Quadrophenia. Die Geschichte handelt von Jimmy, einem jugendlichen Mod, dessen Charakter lose auf unserem eigenen Irish Jack basiert, der um Akzeptanz in der Welt kämpft und versucht, beiden gerecht zu werden die Erwartungen der Gesellschaft und seiner Eltern an ihn. Für ein kurzes Wochenende in Brighton klappt alles, aber Leben und Realität bringen ihn beide auf den Boden der Tatsachen zurück und er versucht erfolglos, diesen einen Moment wieder einzufangen.

Sein ständiger Kampf mit seiner eigenen psychischen Gesundheit spiegelt das wider, was viele Teenager heute spüren. Musikalisch war es ihr bisher ehrgeizigstes Projekt, die Songs waren viel komplexer als zuvor, wobei der Schwerpunkt besonders auf den Breakdowns lag. Durch die Hinzufügung von Holzbläsern durch John Entwistle wird der Klang noch größer. Während der gesamten Aufnahme fungiert das Meer als ständige Metapher für eine Ruhe und Zuflucht, die nie erreicht werden könnte.

5. Isley Brothers, 3+3

Das 11. Album einer der am meisten unterschätzten Gruppen der Popgeschichte wurde im selben Studio wie Stevie Wonders Innervisions und ungefähr zur gleichen Zeit aufgenommen, sodass es eine große Überschneidung zwischen den beiden Platten gab. Die ursprüngliche Gruppe, die inzwischen von drei auf sechs Mitglieder angewachsen war, brachte ihr Songwriting mit den Hits „That Lady“ und „Highways Of My Life“ auf ein völlig neues Niveau. Letzteres ist eines der schönsten Lieder, die ich je gehört habe.

Das Album enthält auch ein Cover von „Listen To The Music“ der Doobie Brothers und dem Seals And Crofts-Hit „Summer Breeze“, der zu einer Hymne werden sollte und immer mit ihnen verbunden sein würde. Ich denke, dieses Album ist seit 10 Jahren eine Konstante in meiner Plattenkiste.

6. Tom Waits, Ladenschluss

Jedes Album von Tom Waits klingt, als ob man es sich um 4 Uhr morgens anhören sollte, wenn man alleine in einer dunklen, schmuddeligen Untergrundbar an der Theke sitzt und nur eine Flasche Whiskey als Begleitung hat. Daher war es ein Geniestreich, sein Debüt „Closing Time“ zu nennen, und genau dieses Genie unterschied ihn von seinen extrovertierteren Zeitgenossen in der LA-Szene der frühen 70er Jahre. David Geffen erkannte sehr schnell, dass er wie kein anderer Songs schreiben konnte und nahm ihn in sein ständig wachsendes Team auf, zu dem auch CSNY und The Eagles gehörten. „Ol' 55“, „Grapefruit Moon“ und der atemberaubende Instrumental-Titelsong (in einem Take aufgenommen) sind alle auf einem der besten Debüts aller Zeiten enthalten.

7. Planxty, Das schwarze Album

Dies fiel mir zum ersten Mal auf, als Leagues O'Toole 2003 ein No Disco Planxty-Special ausstrahlte. Ich hatte vorher keine Kenntnis von ihnen. Jetzt war ich süchtig. Christy Moore, Donal Lunny, Liam O Flynn und Andy Irvine, auch bekannt als „The Beatles Of Trad“, kamen 1972 während der Aufnahme von Moores Album „Prosperous“ zusammen und beschlossen, ihre kombinierten Talente zu nutzen, um eine Vision zu verwirklichen, die sie von ihrem Ort hatten könnte traditionelle Musik nehmen.

Tatsächlich gelang es ihnen, das Genre einem viel breiteren Publikum zugänglich zu machen und die öffentliche Wahrnehmung dessen zu verändern, was viele für eine sehr konservative und sichere Szene hielten. Dies ist bei weitem nicht ihr bestes Album, aber es ist ihr erstes und welchen besseren Ausgangspunkt gibt es dafür.

8. Stevie Wonder, Innervisions

Von allen großen Motown-Künstlern hat niemand den schwierigen Übergang von den 1960er- in die 70er-Jahre so gut gemeistert wie Stevie Wonder. Ich bin nie ganz davon überzeugt, dass ihm dafür Anerkennung zuteil wird. Ab etwa 1968 übernahm er die volle Verantwortung für die Richtung, in die seine Musik ging, und er begann richtig durchzustarten, als er begann, mit Malcolm Cecil und Robert Marqouleff an „Music Of My Mind“ aus dem Jahr 1972 zu arbeiten.

Im Nachfolgealbum setzen sie diese Reise fort, aber der Sound wird erweitert und bietet ein jazzigeres und weltlicheres Gefühl, kombiniert mit einer spirituelleren Einstellung. Titel wie „Living For The City“, „Boogie On Reggae Woman“ und „Golden Lady“ würden einen großen Einfluss auf die Richtung des modernen Soul haben.

9. Bob Dylan, Pat Garret und Billy The Kid OST

Dylans vergessenes Album wurde größtenteils an Orten in Durango geschrieben, wo dieser klassische Peckinpah-Western gedreht wurde. Es ist eine tiefe, langsame Geschichte, die die Legende von Billy The Kid als Metapher für den Niedergang sowohl des alten Wilden Westens als auch des Westerns selbst verwendet.

Kris Kristofferson glänzt als The Kid und es sind Auftritte von Westerngrößen wie Slim Pickens und Sam Elliot zu sehen. Die Musik ist größtenteils instrumental und spärlich, was sich gut für den langsamen, fast melancholischen Charakter des Films eignet. Es gibt viel Schweigen und Worte, die unausgesprochen bleiben. Der herausragende Titel ist natürlich „Knocking On Heavens Door“, der kaum in den Film aufgenommen wurde. Zu den Outtakes gehörte ein Song namens „Rock Me Mama“, der nicht im Film erschien, aber viele Jahre später als „Wagon Wheel“ wieder auftauchte.

10. Pink Floyd, Dark Side Of The Moon

Ich bin mir nie sicher, ob „Dark Side“ ein Album oder ein Übergangsritus ist. Ich persönlich bin sehr spät dazu gekommen. Es war Sommer 2008 am Gardasee in Italien, als wir mit unserer Tochter Lucy schwanger waren, als ich begann, mir die Platte und insbesondere die Texte von Liedern wie „Breathe“ und „Time“ richtig anzuhören. Sie schienen in unserer gegenwärtigen Situation sehr angemessen zu sein, und ich fand das wirklich bewegend und tiefgreifend.

Auch andere Themen sind auf der Platte zahlreich vertreten, und obwohl viele Waters' Weltanschauung widersprechen würden, ist ein großer Teil der Zeitlosigkeit des Albums auf seine Fähigkeit zurückzuführen, sich ständig neu zu erfinden und sich für die moderne Welt relevant zu fühlen.

Zwei, die es fast geschafft hätten

Roxy Music, Stranded: Ihr drittes Album, aber für mich dasjenige, das alles ins Rollen brachte und sie zu ernsthaften Konkurrenten machte.

James Brown, Black Caesar/Slaughters Big Rip Off/The Payback: Zwei Soundtracks und wohl sein bestes Studioalbum in einem Vintage-Jahr für den Godfather Of Soul.

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